Много мониторов человек за кадром как называется
Обновлено: 31.05.2024
Съёмка процесса съёмки кино или клипа чаще всего называется бэкстейдж (backstage).
Вообще-то раньше, на самой заре развития кино- и видеоиндустрии бэкстейджи практиковались слабо. Между прочим, многие наши отечественные кинорежиссёры страдали суеверием, потому не очень жаловали фотографов на съёмочной площадке. По этой, а также по многим другим причинам, фотоснимков со съёмочных площадок, сделанных в эпоху расцвета советского кино, до нашего времени дошло очень мало, равно как и видеокадров. Киночиновники не видели целесообразности тратить киноплёнку на всякую ерунду.
Бэкстейдж в современном видео- и кинопроизводстве
Расцвет съёмок бэкстейджей начался в конце 90-х годов прошлого столетия.
Причём, кадры со съёмочных площадок использовали не только в целях рекламы и анонсов.
В 2000 году один из налоговых инспекторов г. Москвы потребовал «доказательств» того, что некое ООО в действительности понесло затраты на обеспечение съёмочного процесса. Подтверждающих документов оказалось мало. Собственно, с тех пор налоговики часто при проверках требуют подобные доказательства, поскольку видеоролик можно «сшить» из кадров, скачанных из интернета.
Доказательства авторства
На западе, да в принципе и у нас многие операторы и съёмочные группы используют бэкстейдж для того, чтобы в случае чего доказать, что тот или иной видеоролик был действительно снят ими.
Контроль за производством фильма
В последнее время все чаще и чаще на съёмочных площадках стали использовать экшн-камеры с целью последующего просмотра и оценки кто и чем занимался на съёмках. Кстати, в некоторых случаях наличие таких «камер видеонаблюдения» очень даже дисциплинирует. Члены съёмочной группы меньше бездельничают, ходят курить и пить кофе. Помимо этого такая запись является средством объективного контроля, что снимает многие спорные вопросы при оплате труда специалистов съёмочной группы, особенно в части, касающейся сверхнормативного времени.
5.0 Оценок: 3 (Ваша: )Split Screen – эффект разделения экрана, который активно используют в монтаже фильмов и видеороликов. Прием позволяет совместить в одном кадре объекты, которые не могут быть отсняты одновременно, в одной сцене. Каждую из частей снимают по-отдельности и совмещают на экране в процессе обработки. Читайте статью – и вы не только узнаете об интересных примерах применения Split Screen в кино, но и о том, как этот простой прием поможет разнообразить ваши ролики.
В нашем видеоуроке вы узнаете о том, как легко можно сделать видео с эффектом разделения экрана в редакторе «ВидеоШОУ»
Краткий экскурс в историю Split Screen в кино
Один из первых примеров Split Screen видео – фильме «Человек-оркестр» 1900 года. Режиссер – Жорж Мельес – выступил и в роли актера, сыграв семерых персонажей одновременно. Посмотрите, как интересно смотрится эффект!
Техника создания видео с разделением экрана усложнилась в 1921 году, после выхода фильма Бастера Китона «Театр». Прием позволил совместить в одной сцене сразу 10 кадров! Для времени, когда при создании фильмов использовали простую ручную камеру, это было прорывом. Перед оператором стояла невыполнимая задача – снять за раз 1/9 сцены, после чего перемотать пленку назад и повторить операцию еще восемь раз. В процессе съёмок за кадром сидел музыкант, который отыгрывал на банджо ритмичную музыку, которая служила ориентиром самому Китону – он мог контролировать свои действия так, чтобы при монтаже сцена смотрелась единой.
Со временем split screen эффект нашел свое применение и в Голливуде. Например, специалист по спецэффектам Норман Доун с его помощью «передвигал» горы в кадре, а также заставлял актрису, играющую несколько ролей, целовать в кадре себя саму («Право на счастье», 1917 год). В Советском Союзе технология сплит скрин активно использовалась для размножения массовки.
Прием дал возможность актерам выступать в двух ролях одновременно, поэтому его сразу же начали использовать для съёмки историй о близнецах. Самый известный пример – «Ловушка для родителей», где юная Линдси Лохан исполнила роли обеих героинь. Кадры выглядят максимально убедительно, лишь в паре сцен при внимательном просмотре можно заметить разницу в цветокоррекции.
Кадр из фильма «Ловушка для родителей»
Современное использование технологии Split Screen
Разделенный экран активно используется и в настоящее время. Сфера его применения давно уже вышла за пределы кинематографа, и монтажный приём достаточно прочно укрепился в мире видеоблогов.
Современные блогеры, монтажёры и люди, снимающие ролики в качестве хобби, используют в своих работах различные вариации техники сплит скрин. Самый популярный и универсальный вариант применения выглядит следующим образом:
Пример Split Screen
В процессе монтажа автор добавляет в кадр кусочки разных видеофайлов, собирая их в подобие мозаики. При этом он может размещать слои стык в стык или оставлять между ними пустое пространство. Такой способ идеально смотрится во влогах из путешествий, видеопоздравлениях, а также обучающих и игровых видеороликах.
Другой тип split screen эффекта представляет собой «бесшовную» склейку фрагментов. Здесь основной задачей монтажёра является замаскировать границы разных роликов и настроить их параметры в пределах экрана так, чтобы разница была не заметна. Чаще всего этот способ используют для создания эффекта двойника в кадре.
3 совета по созданию split screen видео
В том, как сделать сплит скрин эффект своими руками, нет ничего сложного. Главное – соблюдать ряд правил.
Совет №1. Сохраняйте единство
Клипы в пределах одной сцены должны быть связаны. Разумеется, это касается и всего ролика, вот только при создании эффекта разделённого экрана взаимосвязь становится предельно приоритетной.
Единство может быть идейным, сюжетным, визуальным или любым другим. Вы можете использовать кадры, сделанные в разных локациях, в разное время и с разными людьми. Пока их объединяет общая тема или атмосфера, приём будет работать.
Пример разделенного экрана
Совет №2. Планируйте съёмки
Из первого совета очевидно, что для создания видео с эффектом сплит скрин требуется подготовка. Желательно ещё до съёмок!
Набросайте примерный план будущего ролика. Решите, какие сцены и каким образом вы хотите представить с помощью разделённого экрана. Это важно, ведь иначе вы можете забыть снять необходимый фрагмент. Представьте, что вы монтируете свадебное видео и хотите с помощью эффекта split screen показать танец жениха и невесты, подчеркнув, с какой любовью они смотрят друг на друга в этот момент. Для монтажа потребуются общий план с танцем пары и средний или крупный с акцентом на их лицах. Если вы не спланировали сцену заранее и снимали всё общим планом с одного ракурса, вы вряд ли сможете воплотить задумку.
Совет №3. Делайте раскадровки
Если вы собрались монтировать фильм из уже готовых материалов, подготовьте раскадровку. Решите, сколько фрагментов можно добавить в одном кадре, как они будут расположены и т.д. Отберите смежные клипы, исходя из их содержания, и организуйте их в кадре.
Кадр из фильма «Реквием по мечте» с применением разделенного экрана
Раскадровка играет большую роль ещё и в «бесшовной» склейке. Особенно, если вы собираетесь себя клонировать. Здесь важно выбрать минималистичную локацию, которую визуально можно без труда поделить на 2 части. Следует зафиксировать камеру и определить, какое положение вам нужно принять с той и с другой стороны камеры, чтобы потом без проблем обрезать видеоролики посередине.
Как смонтировать фильм с применением сплит скрин
Далеко не каждая программа для видеомонтажа позволит вам создать эффект разделенного экрана. Слишком простые бесплатные приложения не имеют подобных опций, а тратить баснословные деньги на профессиональное ПО, которым пользуются киношники, мало кто решится. Рекомендуем обратить внимание на современный видеоредактор ВидеоШОУ.
Программа включает все функции, необходимые для качественного монтажа, в том числе и «многоэкранного». Рабочая среда при этом крайне удобная, а алгоритм действий – понятен с первого взгляда.
Разберём, как сделать split screen эффект всего за 3 шага. Скачайте ВидеоШОУ и следуйте инструкции ниже.
Шаг №1. Добавление файлов
Создайте новый проект. Откроется рабочее окно редактора, где вы сможете найти нужные материалы и загрузить их. Чтобы расположить клипы рядом друг с другом, создайте пустой слайд. Щёлкните правой кнопкой мыши в любой части таймлайна и выберите соответствующий пункт. Далее нажмите «Редактировать слайд». С помощью кнопки «Добавить слайд» загрузите нужные ролики.
Загрузите ваши файлы
Шаг №2. Оформление кадра
Отрегулируйте размер фрагментов и их расположение на экране. Опирайтесь на свою раскадровку. Если её воплощение в реальности вас не устроило, экспериментируйте с другими способами. Один кадр может быть вертикальным и вытянутым, а другие – маленькими и горизонтальными, собранными в столбик. Если фрагменты расположены на расстоянии друг от друга, и вас не устраивает чёрный цвет подложки, измените его. Для этого в списке слоёв выделите «Фон» и выберите новый способ заливки.
Вы можете размыть слишком чёткие границы между частями, используя маски. В ВидеоШОУ есть каталог заготовок на любой вкус.
Расположите кадры и при необходимости настройте оформление фона
Шаг №3. Настройка анимации
Если вы хотите, чтобы ролики в кадре проигрывались не параллельно, а появлялись и исчезали в разное время, настройте анимацию. В ВидеоШОУ это тоже очень просто. Используя ключевые кадры, вы сможете создать креативный коллаж из видео и сделать эффект разделённого экрана ещё интереснее. Программа позволяет менять степень прозрачности, масштаб, размер и положение слоёв.
Допустим, мы хотим сделать так, чтобы каждое видео появлялось на экране с разницей в 2 секунды. Уже после того, как мы расставили все клипы, нужно Выделите слой и перейдите во вкладку «Анимация».
Настройте анимацию клипов, добавленных на экран
Ваше сплит скрин видео готово! Вы можете продолжить работу над проектом, загружая другие материалы и дополнить фильм музыкой.
Пример видео с эффектом сплит скрин, созданного в ВидеоШОУ
Заключение
Технология сплит скрин изначально создавалась для кинематографа, на в настоящее время она активно используется при создании видеоблогов. Теперь и вы знаете, как правильно создавать эффект разделённого экрана в видеомонтаже. С ВидеоШОУ это действительно увлекательно. Скачайте редактор и монтируйте стильные и по-голливудски захватывающие фильмы своими руками!
Скачайте видеоредактор ВидеоШОУ
И погрузитесь в захватывающий мир с безграничными
возможностями создания фильмов!
Vertigo effect (он же dolly zoom, он же «эффект тромбона») – оптический эффект, при котором предметы на переднем плане остаются на месте, а задний фон стремительно начинает отодвигаться назад. Эффект был впервые применен в художественном кино в ленте Альфреда Хичкока «Головокружение» (Vertigo, 1959). Дабы передать боязнь высоты одного из персонажей, кадру была придана «засасывающая» глубина, произведшая эффект на многих зрителей (интересно, что автора этого приема – оператора второй съемочной группы Ирмина Робертса – Хичкок забыл даже упомянуть в титрах). С тех пор «эффект “Вертиго”» использовали многие постановщики, поскольку никакого специального оборудования для этого не требуется – только широкоугольная линза и тележка.
Сделать кадр наподобие того, что использован Стивеном Спилбергом в «Челюстях», при наличии фотокамеры может любой желающий. Технология состоит в том, что объектив подкручивается для увеличения находящегося в кадре объекта, а сама камера в это же время пятится от объекта назад (либо наоборот, используется обратный зум и наезд на объект). При таком одновременном действии меняется только глубина кадра, а сам предмет остается относительно зрителя неподвижным. Необязательно даже иметь под рукой специальную тележку для камеры, можно поставить закрепленный на треноге фотоаппарат на скейтборд или на магазинную тележку, и после нескольких тренировок у вас получится не хуже, чем у Спилберга. Главное – не забыть отключить автофокус, в данном случае он совершенно излишен.
Склейка Дэймона
В 2002 году перед режиссером Дагом Лайманом встала практически неразрешимая задача: как заставить зрителя поверить, что Мэтт Дэймон способен драться, как Брюс Ли? Ответ был найден, и мы можем наблюдать его в «Идентификации Борна»: все драки сняты несколькими трясущимися ручными камерами, причем зритель видит только отдельные части дерущихся людей, а не бой в полный рост. Все это нарезано клиповой лапшой, получившей название «склеек Дэймона» и с тех пор изрядно распространившейся по Голливуду. Теперь для создания ощущения плотного экшена, реально горячей перестрелки, драки или напряженной автомобильной погони (как, например, в фильме «Неизвестный») фильммейкеру достаточно помахать парой камер, накрошить получившийся футадж монтажными ножницами и склеить из 1-2-3-секундных кусочков сцену, которая будет производить впечатление реально захватывающей – если только от мельтешения на экране вас не стошнит.
Режиссеры обнаружили, что новая техника съемки дает возможность значительно экономить на стоимости трюков, так как позволяет разбивать сложнопостановочные кадры на отдельные элементы, а воображение мувигоера потом само склеивает из этих пазлов общую картину. Так что если лет через 10 все файтинги будут выглядеть «в духе Борна», фанаты Чака, Брюса и Жан-Клода, вы знаете, чья в этом вина!
Буллет-тайм
Наверняка вы не раз задумывались над тем, что же это за прием из «Матрицы», позволивший камере неспешно облететь вокруг зависшей в прыжке Тринити. Технология эта называется «полет пули», он же bullet time (название впервые встречается в сценарии «Матрицы», так что братьев Вачовски можно считать его авторами), а реализуется такой эффект с помощью большого количества камер, размещенных вокруг снимаемого объекта: сделав серию одновременных фотографий, на которых повисший в воздухе объект виден с разных сторон, и склеив их в серию, можно добиться эффекта «облета». Если камеры не расположены по периметру, а выстроены в ряд, достигается схожий эффект: снимаемый объект замирает, а взгляд зрителя «движется» вдоль него. Возможность делать 24 кадра в секунду или более расширяет творческую палитру монтажера, т.к. позволяет пользоваться не только «одновременными» снимками – имея под рукой кадры, сделанные с разницей в доли секунды, он может подбирать их таким образом, что при «облете» камеры замерший в прыжке объект не просто висит в воздухе, а продолжает двигаться с небольшой скоростью. В некоторых фильмах можно наблюдать «фальшивый» bullet time, целиком нарисованный на компьютере (см., например, «Пароль “Рыба-меч”»), но даже в таком виде он смотрится впечатляюще, поскольку замедлившееся время, совмещенное с круговым парением камеры (т.н. orbital shot), – это всегда красиво.
Первый кирпич в фундамент технологии «полета пули» был заложен еще до изобретения кинематографа, когда английский фотограф Эдвард Майбридж научился делать серию одновременных снимков галопирующей лошади с помощью набора фотографических аппаратов, срабатывающих одновременно. Целью эксперимента Майбриджа было победить в споре с губернатором Калифорнии и выяснить, действительно ли все четыре ноги лошади отрываются от земли при галопе. Считается, что это невинное пари, результатом которого стала сконструированная Эдвардом игрушка под названием «зоопраксископ», подсказало Томасу Эдисону идею насчет его «кинетоскопа» – первого коммерческого киноаппарата. «Фотографические истоки» технологии «буллет-тайм» неслучайны – ведь, по сути, в знаменитой сцене из «Матрицы» мы наблюдаем не видео как таковое, а замаскированный под видео набор отдельных фотографий, склеенных прихотливым образом. Что, конечно, не мешает «полету пули» оставаться одним из самых ярких и впечатляющих спецэффектов, взятых кинематографом на вооружение в последние годы.
Специалист по спецэффектам Джон Гаэта, заставивший камеру огибать повисшую в воздухе Тринити, говорит, что вдохновлялся клипами Мишеля Гондри (такими, например, как Midnight Mover для группы Accept), у которого, как сейчас видно, еще в 80-е годы имелись отличные идеи насчет bullet time, но не было достаточной финансово-технической базы для их реализации. Братья Вачовски, которых похожий эффект привлек в анимационной «Акире», сошлись с Гаэтой на том, что потенциал технологии нуждается в раскрытии, сделали ставку на «полет пули» – и выиграли. А сегодня все то же самое доступно любому энтузиасту, наскребшему денег на 50 камер GoPro. Не верите – поройтесь в YouTube.
Цейтраферная съемка
Не только slow motion пленяет зрителей – на ускорение очень медленных процессов тоже бывает интересно посмотреть. Кадры со стремительно укатывающимся за горизонт солнцем, расцветающими бутонами или, пардон, ускоренно разлагающейся пищей (как в фильме «Господин Никто») сегодня встречаются во многих художественных и документальных лентах. Чтобы достичь такого эффекта, камера делает одиночные снимки движущегося объекта каждую секунду (либо каждую минуту, либо каждый час – в зависимости от того, какой темп процесса вам нужен), в результате получается «разогнанное» видео, на котором облака скользят по небу со скоростью курьерских поездов. Когда-то для цейтраферной съемки выпускались специальные кинокамеры, сегодня она отдана на откуп цифровым фотоаппаратам – в конце концов речь идет об анимированной серии фотографий, а не о видео как таковом. Цейтрафер (zeitraffer – от нем. слов «время» и «собирать»), бывший когда-то специальным устройством, в наши дни превратился просто в одну из автоматических функций фотокамеры.
Традиционно цейтраферная съемка делалась с помощью плотно закрепленной на одном месте кинокамеры. Но с годами прием эволюционировал: в новых фильмах часто можно наблюдать, что положение меняют не только снимаемые объекты, но одновременно с этим куда-то «плывет» и сама камера – такой себе «bullet time наоборот». Сам эффект этот, прозванный «таймлапсом» (англ. – time lapse), или, если по-русски, «интервальной съемкой», долгое врем считался уделом профессионалов. В наши дни он доступен не только обладателям продвинутых фотоаппаратов, но и простым пользователям с GoPro в кармане: в Сети можно встретить разнообразные советы на тему того, как с помощью напильника и суперклея превратить обычный заводной таймер во вращающуюся платформу для панорамных оборотов камеры в стиле time lapse. Главное, отправляясь в ближайший лес запечатлевать для YouTube рост опят или ползучую виноградную лозу, не забудьте запастись выносливыми аккумуляторами.
Транк-шот
Если вам нравятся фильмы Квентина Тарантино, наверняка в каждом из них вы видели «визитную карточку» режиссера – кадр, снятый из багажника автомобиля. Данный прием носит название trunk shot (от слова trunk – багажник), и он применялся кинематографами задолго до Тарантино: одно из первых его появлений замечено еще в нуаре Энтони Манна «Он бродил по ночам» (1948), также «транк-шот» успешно использовался в знаменитом детективе Ричарда Брукса «Хладнокровное убийство» (1967). Но Тарантино упорным трудом добился того, что trunk shot стал ассоциироваться именно с его киноработами. И поскольку все, чего касается Квентин, превращается в золото, после выхода «Бешеных псов» и «Криминального чтива» у подобного метода съемки сразу нашлась масса поклонников: сегодня транк-шоты можно встретить не только во многих кинофильмах, но и в сериалах, и в видеоклипах.
Считается, что сделать такой кадр довольно просто: если вы хотите снять сцену глазами человека, лежащего в багажнике, вам нужно просто засунуть туда оператора месте с камерой (на съемках «От заката до рассвета» Тарантино, выступавший на проекте сценаристом и актером, уговорил режиссера Роберта Родригеса попробовать, и тот, к счастью, туда поместился). Однако багажники часто бывают слишком тесными, а операторы чересчур длинноногими, поэтому им приходится идти на хитрость: снаружи снимать одну машину, а изнутри – совсем другую, убрав стенку багажника и задние сиденья и устроившись на полу внутри салона. Если подлог слишком заметен, но авторы обязательно хотят иметь в своем фильме «транк-шот» и в связи с этим готовы пустить по ветру энную сумму бюджетных средств, то задник машины вовсе отпиливается и снимается отдельно от нее, так что оператор может расположить камеру под любым углом. Желаете снять нечто подобное? Главное, не ставьте свое авто багажником к солнцу, не то получите лишь темные силуэты вместо тех, кто стоит у багажника (или просто снимайте нужную сцену после наступления темноты, как сделал Тарантино в первой части «Убить Билла»).
Эрроу-кам
В последние десятилетия в Голливуде вошли в моду высокие скорости. Неудивительно, что очень востребованным оказался спецэффект под названием «эрроу-кам» (arrow cam – «камера-стрела»), позволяющий зрителю проследить не только за натягиванием тетивы, но и за полетом стрелы до самого ее соприкосновения с целью. Как вариант, это может быть и полет пули, но принцип везде один и тот же: стремительное движение камеры навстречу объекту.
(1).jpg)
В качестве одного из ранних и самых известных примеров использования приема можно рассматривать ленту «Робин Гуд: Принц воров» (1991). Забавно, что изначально использованный в ней кадр с летящей стрелой предназначался только для трейлера, в первой монтажной сборке он отсутствовал – но зрителям находка так понравилась, что «полет стрелы» оперативно добавили в фильм перед самым выходом ленты в прокат. Для Голливуда это было откровение сродни «буллет-тайму» из «Матрицы» – в последующие годы кадр из «Робин Гуда» не пародировал только ленивый (достаточно вспомнить «Горячие головы 2», где была использована аналогичная техника съемки, только протагонист за неимением стрел зарядил лук… живой курицей). В 90-е годы стрела традиционно крепилась к объективу, так что наконечник торчал вперед, создавая иллюзию полета. Позже к кадру с приближающимся объектом стали добавлять еще один – со стрелком, от которого стремительно отдалялась камера. Прием прижился на Голливудских холмах: его можно увидеть в «Быстром и мертвом», «Спасти рядового Райана», «Перл-Харборе» (в последнем случае вместо стрелы была использована торпеда) и десятках других лент.
Сегодня, когда компьютерная анимация заняла в Голливуде главенствующее место, стрелы уже не крепят к камере, а пририсовывают к нужным кадрам после съемок, на постпродакшене (см., например, комическую сцену «Хоукай против Локи» во «Мстителях»), но сам способ съемки ускоренного движения остался прежним. В Голливуде его внедрил в конце 70-х годов изобретатель стабилизационной системы «Стэдикам» Гаррет Браун. До тех пор плавный кадр кинематографистам удавалось получить только на тех локациях, где можно было проложить рельсы для тележки. Во всех остальных случаях приходилось использовать ручную камеру, которая давала слишком тряскую картинку. Молодой оператор-экспериментатор Браун придумал систему противовесов, которая гасила все вибрации камеры и давала эффект плавного парения даже тогда, когда оператор бежал по пересеченной местности. Знаменитый кадр, в котором камера «летит» за Сильвестром Сталлоне вверх по ступенькам длинной лестницы в фильме «Рокки», стал лучшей рекламой для изобретения – и вскоре к Гаррету обратился продюсер Джордж Лукас, которому нужно было снять погоню на спидерах для шестого эпизода «Звездных войн». Как изобразить бреющий полет над лесными полянами? Для «Возвращения джедая» Гаррет снова напряг творческо-техническую мысль и оснастил свое устройство двумя дополнительными гироскопами. Локацией стал калифорнийский секвойный лес, на время съемок превратившийся в чащу Эндора. С камерой VistaVision, делающей один кадр в секунду, Браун прошел по запланированному маршруту, двигаясь со скоростью около 8 км/ч. Когда отснятый материал позже был разогнан до привычных глазу 24 кадров в секунду, создался эффект полета камеры со скоростью в 200 км/ч. По словам оператора, это было одно из самых трудных заданий в его карьере, «настоящая потогонка», поскольку для съемки трехминутной сцены потребовалось сделать несколько сотен дублей. Браун мог пройти полкилометра, стараясь не запутаться в тропинках, держа камеру на одном и том же расстоянии до земли и стараясь целиться в одну и ту же условную точку на уровне горизонта (корректирующие команды ему подавали два помощника), потом допустить маленькую ошибку, отвлекшись и вильнув камерой в сторону, и кадр был испорчен – все приходилось начинать заново. Пиротехнические эффекты, так же как и актеры, якобы едущие верхом на спидере, снимались отдельно и были добавлены в сцену уже на стадии постпродакшена. Результатом стала одна из самых захватывающих погонь в истории кинематографа.
.jpg)
Эффект быстрого скольжения быстро стал модным: годом позже Майкл Крайтон, снимавший фантастический экшен «Охоте на роботов», аналогичным способом изобразил полет самонаводящейся мини-ракеты. «Зарядить» камеру стрелой догадались лишь несколькими годами позже, но именно стрела в итоге дала название спецэффекту. А сегодня, когда в продаже появились дешевые «Стэдикамы», повторить этот трюк при определенной сноровке может любой желающий (можно, конечно, сделать еще проще и купить китайскую микрокамеру, которая легко крепится прямо на стрелу, но полученное таким образом изображение сильно проигрывает по эффектности брауновским наработкам). Вы готовы немного напрячься, снимая короткометражку с эффектом «эрроу-кама»? Тогда вперед!
Правило третей, голландский угол и паралленльный монтаж.
При съёмке фильма операторы руководствуются определёнными правилами, на которые вы не обращаете внимание при просмотре, но тут же заметите, если их проигнорировать. Ведь сделай что-то не так — и зритель запутается, потеряет нить повествования. Сделай в кадре неправильную композицию — зритель не будет знать, на что ему смотреть. Помести в кадре неправильный объект — и он полностью перевернёт смысл происходящего. Вот несколько таких правил.
Правило третей — это такое упрощённое правило «золотого сечения». Суть его заключается в условном разделении кадра на девять равных блоков (3х3, по горизонтали и вертикали). Важные объекты в кадре должны располагаться вдоль разделяющих линий и на точках их пересечения. Такие точки называются «точками интереса».
В точке интереса здесь находится взгляд главной героини — это то, чего и добивался операторПри взаимодействии персонажей, последние зачастую находятся именно вдоль вертикальных линий. При съёмках природных или городских пейзажей, горизонт припадает на одну из горизонтальных линий. Этого правила придерживаются не только кинематографисты, но и обычные фотографы.
А это правило позволяет зрителям укладывать происходящее в логически непротиворечивую картину. Правило гласит, что при диалоге двух персонажей камера не должна «залетать» за линию, проходящую между этими персонажами.
Если камера перескочит с зелёной зоны на красную, зритель может запутаться в персонажах или их таинственной «взаимо-телепортации». Или не запутается, но это вызовет у него дискомфорт Интересный пример из «Властелина колец». Камера летает по зелёной зоне, снимая воображаемый диалог между хорошим и плохим Голлумом. Хороший Голлум смотрит влево, плохой — вправоВпрочем, правило 180 градусов распространяется не только на диалоги. Если персонаж идет или бежит, то линия — это направление его движения. Если камера «перелетит» через линию, у зрителя создастся впечатление, что персонаж поменял направление и теперь бежит навстречу самому себе. Если персонаж читает, то линия проходит между глазами и книгой. Если в кадре батальная сцена, то один противник должен быть с одной стороны, другой — с другой.
При смене кадров, камера должна менять угол как минимум на 30 градусов.
Цель данного правила — придание особого значения мотивам смены кадра, давая существенно иной взгляд на действие. Переход между двумя кадрами с углом менее 30 градусов может быть воспринят как излишний или скачкообразный, одним словом, заметный.
Если вкратце, то голландский угол — это когда в кадре «завален» горизонт. Зачем? Так надо! Это может показать сумасшествие героя, его алкогольное или наркотическое опьянение, конфликт персонажей или просто динамику.
Эффект получается из-за того, что мы, зрители, не смотрим на мир под этим углом, поэтому такой «заваленный» горизонт воспринимается нами как нечто новое, вызывающее своеобразный дискомфорт.
Иногда голландский угол используется для драматизма — при наклоне камеры трагические события и переживания героев воспринимаются острее. А иногда — для подчёркивания царящего вокруг хаоса, ломая заваленным горизонтом всё кадровое пространство.
Без паники! Сейчас все объясню.
L-переход — это когда кадр меняется, но зритель всё еще слышит звук из предыдущего. Используется приём для того, чтобы лучше ориентировать зрителя в сюжете.
Отличный пример использования L-перехода. Зритель видит кадры из фрагмента В, слыша звук из фрагмента АJ-переход — это противопоставление L-переходу. В этом случае зритель слышит звук из фрагмента В ещё когда фрагмент А полностью не закончился.
Яркий пример на 0:21 — аудио внутри капсулы появляется ещё до того, как в кадре появляется космонавтТакой переход используется, когда необходимо показать серию ключевых кадров с некоторым временным промежутком между ними. Но этот промежуток времени нам не нужен, поэтому мы его вырезаем, оставляя только то, что необходимо для картины.
Кадр не обязательно должен сменяться во время логической паузы. Иногда нужно сменить кадр прямо во время действия, чтобы показать это же действие с другой стороны.
Параллельный монтаж — это несколько сцен, происходящих в один и тот же промежуток времени. Помните «Форсаж 6», когда самолет минут 20 ехал по взлетной полосе? Видимо, авторы хотели применить параллельный монтаж, показать, что несколько сцен происходит в одно и то же время (драка в самолете происходит в то же время, что и погоня кадром спустя). Вышло плохо. Не так, как надо.
Вы смотрели «Я, снова я и Ирен» с Джимом Керри? Если да, то, должно быть, помните сцену, где… ладно, проще показать, чем описать.
Как вы уже догадались, приём заключается в соединении двух кардинально разных кадров путем какого-либо общего действия, зачастую — движения. Вот другой пример, после него вы сразу поймете, в чём суть.
Когда-то режиссёр немого кино Лев Кулешов провёл один интересный эксперимент. Он склеил два кадра, идущих подряд: на первом было лицо человека, смотрящего за кадр, на другом — тарелка супа. При этом зрители были абсолютно уверены, что человек играет голод. Затем режиссёр склеил другие два кадра: на первом было то же самое лицо, что и в первом случае, а на втором — женщина в гробу. На этот раз зрители были уверены, что человек играет не голод, а скорбь.
Зритель привязывает к герою ту эмоцию, которая может возникнуть у последнего, когда он смотрит на тот или иной объект. Смотрит герой на еду — значит, голоден. Смотрит на женщину — значит, с вожделением смотрит, и пускай даже мимика героя не изменилась ни на морщинку.
Впервые я услышал об этом термине на «КиноПоиске». Я даже не уверен, что этот термин не был придуман редакцией, но он всё равно хорош и достоин упоминания.
Кадр в фильме зачастую сопровождается соответствующей мелодией. Если погоня — мелодия быстрая и ритмичная, если главный герой прячется в шкафу от убийцы — щекотливая, а если кто-то лежит на природе и наслаждается умиротворяющими пейзажами — спокойная.
А что, если сделать наоборот? Если расстреливать людей под классику, например. А ведь такая сцена была в «Апокалипсисе сегодня», и никто не скажет, что музыка была ни к месту. Такой приём используется для того, чтобы придать сцене контраста, иронии или юмора, показать отношение героя к действию, которое он совершает.
Читайте также: