Как сделать мэшап в fl studio
Обновлено: 06.07.2024
Процесс создания мэшапа в различных программах примерно ничем не отличается, но конкретно этот урок заточен под FL Studio 12. Если вы ещё не определились с выбором программы в которой собираетесь творить свои шедевры, то советую остановиться именно на ней. FL Studio обладает всем необходимым функционалам (в отличии от Sony Vegas, например) и имеет юзерфрендли интерфейс. Несмотря на то, что многие делают мэшапы именно в Sony Vegas, я не советую начинать с него. Рано или поздно вам станет в нем тесно, а функционал будет ограничивать ваши возможности. Поэтому что бы потом не переучиваться начните с программы созданной именно для аудио контента.
Профессиональная терминология.
сурс (с англ. source) — музыкальная композиция (или её часть) которую мы будем «мэшапить»
инструментал — сурс без вокала исполнителя
акапелла — вокал исполнителя без инструментальной части
BPM(beats per minute) — скорость воспроизведения
рассинхрон — несовпадение темпа двух сурсов
Основы музыкальной теории.
Любое музыкальное произведение делится на такты. В каждом такте есть сильные и слабые доли. Сильные доли приходятся на первую и третью доли и чередуются со слабыми долями (сначала сильная, потом слабая, опять сильная, опять слабая и т.д.). Суть мэшапов заключается в том чтобы сильные доли одного сурса совпадали с сильными долями второго сурса.
Как найти сильные доли в треке?
1.Чтобы найти сильные доли в инструментале трека послушайте как идут бочки. В абсолютном большинстве треков сильная доля будет приходится на первый удар бочки(или басовой партии), а снейры почти всегда приходятся на слабую долю. Если трек имеет нетипичную драмм партию и бочки там стучат на каждой доли такта, то постарайтесь услышать какая из них выделяется среди остальных. Вам нужна та которая будет играть громче или на неё будет делаться особый акцент.
Если вам медведь наступил на ухо то просто посмотрите на график амплитуды. В примере невооруженным глазом можно увидеть где в треке бочки, а где тарелки.
2. Найти слабые и сильные доли в акапелле уже сложнее. Легче всего их найти в речитативе. Просто слушайте на какие слова и слоги исполнитель делает ударение и акцент, это будут сильные доли.
Это руководство предназначено для людей, желающих научиться делать мэшапы, но не разбирающихся в музыкальных основах, а также тех, кому хочется разобраться как все это делается. Стоит также отметить, что мы не расписываем каждый шаг до мельчайших подробностей: все познается на практике. Пытаясь охватить все этапы, руководство получилось достаточно объемным, поэтому не ленитесь и постарайтесь дочитать его до конца.
Ни для кого не секрет, что любое дело имеет свою специфику и особенности. Для того, чтобы его постичь, необходимо обогатить себя знаниями и погрузиться в атмосферу изучаемого предмета, поэтому, прежде чем мы приступим к созданию мэшапов, стоит разобраться с тремя основами любого мэшапа: темп, структура и тональность.
Темп (от лат. «tempus» — время) — это скорость, с которой проигрывается трек. Она измеряется в BPM (от англ. «beats per minute») или ударах в минуту. На подготовительной стадии создания мэшапа необходимо определить темп исходников, чтобы в дальнейшем облегчить себе работу и избежать несогласования ритмов частей мэшапа, то есть «рассинхрона», первой ошибки, которую делают многие новички.
Метр — это чередование сильных и слабых долей в музыке, а единицей метра принято считать долю. Название «доля» существует потому, что каждая доля - это часть целого такта, то есть часть цельного отрезка времени от одного сильного удара до следующего. Соответственно, доли метра делятся на сильные (те, которые выражены более явно), и менее выраженные слабые.
Как же определить сильную и слабую долю? Количество долей определяется размером произведения: зачастую это 4/4 (четыре четверти), то есть в одном такте следующая конструкция: сильная доля в начале такта, за ней следует вторая - слабая доля, третья доля относительно сильная и четвертая слабая.
Существуют и другие размеры: двудольные (2/4), трехдольные (3/4, 3/8), сложные (4/4, 6/4) и смешанные (5/4, 7/8). Для наглядности подкрепим информацию несколькими примерами:
[здесь будут аудиозаписи, которые поломались, спасибо VK]
Все это подводка ко второй ошибке, которую периодически совершают новички. Оффбит — это когда вам удалось подогнать вокал и инструменты по темпу, но один из сурсов был выставлен не на ту долю, что привело к нарушению целостности структуры мэшапа.
Пример типичного оффбита с запозданием вокала от инструментала на несколько долей.— Как можно определить темп песни?
Пример типичного оффбита с запозданием вокала от инструментала на несколько долей.
Определить темп песни можно несколькими способами:
Структура песни, если описывать ее простым языком, — это то, каким образом построен трек и из каких частей он состоит. Обычно, песня строится на основе следующих компонентов:
- Вступление (Intro) — часть песни, которая подготавливает к появлению его основной части.
- Куплет (Verse)— это песенный раздел, включающий в себя текст и проведение мелодии (напева). Может повторятся с изменениями или добавлением новых строф в тексте — по такому же принципу может варьироваться мелодия в куплете.
- Связка (Pre-Chorus / Bridge)— связующая часть между куплетом и припевом.
- Припев (Chorus) — ключевая часть песни, которая повторяется после куплета. Как правило, текст в повторах не изменяется.
- Заключение (Outro)— завершающая часть песни.
Существуют и другие составные части песни, но куплетно-припевная форма является превалирующей во многих видах современной музыки. Куплет и припев построены, как правило, на разном или даже контрастном музыкальном материале. В большинстве случаев наблюдаются различные отклонения от «стандартного формата». Например, перед первым припевом могут следовать два куплета, после связки может следовать как куплет, так и припев, песня вообще может начинаться с припева, и так далее. Вариантов много и стоит разобраться.
На картинке указана схема АБАБВББ с вступлением и заключением, где А это куплет, Б — припев и В — проигрыш или соло. Также встречаются отклонения от этой схемы: два куплета вместо одного перед первым припевом и куплет между соло и припевом.
Для наглядности рассмотрим пару примеров.
«Сочинский Пляж» состоит из трех куплетов и трех припевов, то есть ее структура выглядит как АБАБАБ. В целом, очень простая песня, тут очень трудно что-то перепутать — главное разобраться где находится куплет, а где припев. Проще всего это будет отследить по тексту.
Структура песни: припев, первый куплет, рефрен (повторяющаяся часть песни, схожа с припевом - обозначим его как В), связка 1 (Г), припев, расширенный второй куплет, связка 2 (Д), рефрен, связка 1 и припев. Схематически это выглядит как БАВГБАДВГБ.
В инструментальной музыке структурные принципы те же, но для того чтобы определять различные части, нужно достаточно хорошо уметь разбираться в строении песен. Это важно, поскольку у песен может быть различная длина куплетов, припевов и других частей. Если длина разная, то вам придётся либо адаптировать вокал под структуру инструментала, или же наоборот. Если они совпадают, то вам повезло — вы нашли идеальное структурное сочетание.
В том случае, когда вокальная партия одной песни соединяется с инструментальным миксом другой, вам нужно представить, что акапелла пропевается в ритме инструментала. Еще можно попробовать спеть текст под минусовку самому — это поможет понять, как нужно выстроить мэшап.
Теперь перейдём к самой сложной части, к поиску тональности. Неужели придётся изучать ноты
В природе, у каждого звука есть высота звучания. Она зависит от количества колебаний и чем меньше колебаний, тем ниже будет звук и наоборот. Т.е. все звуки, которые нас окружают — это колебания звуковых волн. Попробуйте взять линейку, приложить её на стол так, чтобы один конец линейки был в воздухе, а другой конец прижмите к поверхности. Теперь попробуйте нажать на край линейки. Линейка издаст звук. Если вы будете двигать линейку на себя и нажимать на неё, вы заметите что количество колебаний будет меняться, а вместе с этим и высота звучания.
В какой-то момент, у людей появилась нужда эти колебания зафиксировать «музыкальным алфавитом». Так и появились ноты. Всего нот 108, они разделены на 9 групп, чтобы не давать название всем 108 нотам, иначе вы бы сошли с ума всех их запоминать. Такие группы называются октавами и в каждой октаве находится по 12 нот. Получается 9 октав, в каждой по 12 нот, итого 108 нот. Математика!
Вот 12 нот, слева направо: До, до-диез/ре-бемоль, ре, ре-диез/ми-бемоль, ми, фа, фа-диез/соль-бемоль, соль, соль-диез/ля-бемоль, ля, ля-диез/си-бемоль, си.
Чтобы все играющие ноты звучали гармонично между собой, музыканты придумали лады. Это готовая система взаимоотношений между нотами. Т.е. мы играем в ладе не все ноты в октаве, а лишь определённые, которые закреплены за ладом.
Лады разделяют следующим образом: сначала идёт первая нота лада, тоника. затем лады делят на мажорный: веселый, бодрый; и минорный: грустный, меланхоличный. Например: До-минор (Сmin), Ля-мажор (Amaj). Собственно, тональность — это то, в каком ладе написана мелодия. Когда мы соединяем два трека в разных тональностях, они будут звучать фальшиво. Чтобы такого не было, нужно в аудио-редакторе привести всё к одной тональности с помощью питча и тогда проблемы с оффкеем не будет.
Подробнее про лады можете посмотреть тут:
А теперь примеры. Мэшап состоит из двух сурсов: Halogen - U Got That и Pendulum - Island, Pt. 2. Тональность Island ля минор, а у U Got That — фа минор. В этом примере тональность U Got That была поднята на 1,5 тона вверх, что соответствует тональности ля-бемоль минор, но не соответствует тональности Island, из-за чего получилось такое неприятное звучание (интервал, равный малой секунде). Если же поднять ее на 2 тона вверх, то песни будут соответствовать одной тональности.
— Как и с помощью чего можно определить тональность?
Для того чтобы определить тональность существуют сайты tunebat, audiokeychain, beatport и songkeyfinder. На audiokeychain вы можете определить тональность и темп любого загружаемого трека, но предупреждаем — результат может быть далек от действительности. Пожалуй, самым лучшим из всех перечисленных можно назвать songkeyfinder, однако в его базе представлены исключительно мажорные тональности, так что вам будет необходимо разобраться еще и с параллельными тональностями.
Все эти способы по-своему хороши, но они не всегда выдают стопроцентно точную информацию, поэтому мы советуем вам научиться определять тональность вручную. Такой способ поможет вам сохранить кучу времени и нервов.
We Are Number One написана в тональности фа минор (f-moll или Fmin), ближе к концовке она повышается на полтона и становится фа диез минором (fis-moll или Fmin). Такой музыкальный прием называют модуляцией.Чтобы определить тональность песни можно воспользоваться, к примеру, акустической гитарой: найти на грифе нужную ноту, а потом сыграть либо мажорный, либо минорный аккорд. Таким образом можно точно определить тональность на любом другом инструменте, будь то губная гармошка или альт (бадум-тсс). Та же история с виртуальными цифровыми синтезаторами: этот способ удобен тем, что определить тональность можно не отходя от компьютера, ведь все нужное уже есть под рукой. Например, откройте FL Studio или любую другую программу со встроенными синтезаторами, затем загрузите синтезатор и действуйте по вышеизложенному алгоритму.
Тут важно понимать, что не в любой момент звучания можно с точностью сказать, в каком тоне звучит данная часть песни. Нужно выбрать отдельные моменты и проанализировать их: это может быть самое начало или самый конец песни, а также конец какой-либо ее части или даже отдельной фразы. Начало и конец звучат устойчиво, потому что они утверждают тональность, а середина обычно изменяется или в ней происходит какое-нибудь развитие.
Итак, выбрав для себя фрагмент, обратите внимание на три вещи: какое в произведении общее настроение (мажор или минор), какой звук наиболее устойчив и какой звук подходит для того, чтобы завершить им произведение.
От типа наклонения зависит — мажорная это тональность или минорная, то есть какой у тональности лад. А тонику, то есть устойчивый звук, который вы услышали, можно просто подобрать на инструменте. После того, как вам стала известна тоника и ладовое наклонение песни, осталось только соединить их вместе. Например, если вы услышали минорное настроение и тонику фа, то это будет тональность фа минор.
Про определение тональности песни существует отличный видеоурок от Нескучного Саунда. В этом ролике исчерпывающе рассказано про тональность и, собственно, про способы ее определения, гармонические функции, лады и прочее.
Профессиональная музыкальная программа FL Studio готова прийти вам на помощь, при создании ремикса трека или давно забытого хита. В ней вы сможете показать свой творческий талант и явить общественности новое звучание композиции, не имея в распоряжении студии по записи и специального оборудования. В этой статье мы расскажем, как сделать ремикс в FL Studio.
При создании ремикса надо будет пройти определённые шаги, чтобы на выходе получить качественный продукт. Далее в статье мы подробно разберем все этапы создания нового шедевра.
Как выбрать трек и сделать поиск отдельных частей
После выбора пака, скачайте его и переходите к следующему шагу.
Добавление своих эффектов
Далее надо определиться с общим звучанием и жанром будущего ремикса. Здесь можно проявить свою фантазию и самые смелые задумки, главное, чтобы трек получился запоминающимся и ярким. Ниже мы рассмотрим пошагово алгоритм действий по создании композиции.
Выбор темпа для трека
При выборе темпа стоит учитывать целостное звучание композиции, это зависит от жанра мелодии. При прослушивании вы можете уловить, что какой-то фрагмент выбивается из общего звучания и тогда его надо корректировать. В этом вам поможет «Stretch», который находиться в плейлист, туда мы переносим выбранную дорожку и обрабатываем.
После обработки дорожки, вы можете корректировать темп и подгонять его под другой.
Написание своей мелодии
Обычно при разработке ремикса используют ту же мелодию, что и в оригинале композиции. Дополнительно ее можно переиграть на другом музыкальном инструменте используя для этого функционал программы FL Studio. Для проигрывания мелодии вам пригодятся в работе плагины-vst, в них уже собрали библиотеку сэмплов разных инструментов.
Выбирайте понравившейся музыкальный инструмент и переходите в «Piano roll», где надо будет написать свою мелодию.
Создание бас и драм линии
Добавление этих эффектов используют практически в любой мелодии. Для создания драм-линии вам понадобится зайти в плейлист, пиано ролл или channel rack. Переходим туда и выбираем Kick, Snare, Clap, HiHat или другие ваншоты, все зависит от вашего вкуса и жанра трека. После выбора можете переходить к созданию своего бита.
При создании бас линии следуйте инструкции выше и использовать синтезатор или ромплер, для выбора сэмпла и в «Piano roll» сделать дорожку баса.
Сведение
После создания собственных дорожек ремикса, прежде всего надо соединить их в один трек для получения готового продукта. Теперь предстоит поработать с разными эффектами для объединения фрагментов в единую композицию.
Сведение трека мы начнем с распределения каждой дорожки на отдельный канал в микшере.
После обработки сведения, переходим к мастерингу.
Мастеринг
Все музыканты и композиторы, желают, чтобы у мелодии был качественный звук, поэтому без финальной обработки не обойтись. В этом процессе нам будет необходим компрессор, ограничитель и эквалайзер. Также придется воспользоваться автоматизацией, для удаление ненужного шума и звуков.
После прохождения всех этих этапов, ваш ремикс будет готов, сохраните его в удобном формате.
Заключение
Ваш собственный трек готов и теперь вы можете продемонстрировать его благодарным слушателям и выгружать в интернет. Все этапы пройдены и теперь вы знаете, как сделать ремикс в FL Studio.
Сегодня я хочу рассказать о том, какие основные приемы используются при создании музыкальных произведений в программе FL Studio. Я сам пишу музыку и использую для ее обработки различные инструменты, в том числе продукты от компании Image-Line («FL Studio» и «Deckadance»), и вхожу в ее Power Users List (в этом списке я – единственный музыкант из России). В этом топике я расскажу о том, как использовать прием наслоения (на примере ударных партий и вокала), а также о том, как подготовить записанный вокал к последующей обработке.
Наслоение
Этот приём часто используется музыкальными продюсерами. Так повелось, что музыкальные продюсеры в России по сути являются менеджерами артистов, в остальном же мире продюсеры — это люди, которые создают музыку в так называемых секвенсорах (музыкальных программах по созданию музыки). Например, Lady Gaga, даже если и умеет сочинять песни, не может сама создать конечный продукт и с этим ей помогают те самые продюсеры. Один из известнейших продюсеров, работавший с ней — RedOne.
Так вот, вернемся к наслоению. Этот прием используется для того, чтобы придать полноту звучания любому из ваших инструментов, а также треку в целом. Наиболее часто он используется при создании партии ударных и вокальных партий. Сначала рассмотрим наслоение на примере партии ударных.
Наслоение при создании ударных партий. Я пишу акустическую и электронную музыку, используя при этом библиотеки предзаписанных семплов. Такие библиотеки содержат в себе звуки, записанные в профессиональной студии, доступ к которой не всегда имеется у начинающих музыкантов и продюсеров. Примером таких звуков может быть один удар в том, бочка, хлопок в ладоши, перкуссионный барабан и другие подобные вещи. Такие библиотеки можно легко найти в свободном доступе или в продаже в интернете. Они называются «One Shot Samples» или «One Shot Libraries».
Также оправдано использование уже записанных заранее ударных петель. Они обычно представляют собой уже полные и готовые версии ударных и могут быть разбиты на части (например, бочки отдельно, тарелки отдельно, перкуссии отдельно, тамбурины отдельно), и если сложить их вместе, получится полноценная ударная партия. Они называются «Drum Loops» и в большом количестве представлены в интернете. Помимо прочего, существует множество программ с готовыми библиотеками ударных, ярким примером которых являются «XLN Audio Addictive Drums», «Spectrasonics StyleRMX», «Native Instruments Machine» и другие.
Рассмотрим наслоение основных бочек («kick») на указанном ниже рисунке. Для того, чтобы получить насыщенный и плотный звук бочки, я использую три их разные вариации. Студийная плотная бочка (Studio Kick), сэмпл акустической бочки из библиотеки готовых ударных (Acoustic Kick) и электронная сгенерированная бочка (Electronic Kick).
Каждая из этих бочек имеет собственное звучание, но вместе они начинают звучать намного плотнее, чем по отдельности. При совмещении различных ударных, необходимо учитывать, что они могут и не сочетаться вместе, поэтому порой приходится подвергать их эквализации. На рисунке, представленном снизу, у одной из бочек (слева) убраны низкие басовые частоты, и она создает так называемый хлопок или щелчок в верхнем диапазоне частот, а у другой акцент сделан на низкие частоты, и она заполняет собой басовую составляющую.
При комбинировании ударных, составленных из «One Shot»-сэмплов, можно использовать такие программы, как «Native Instruments Battery» или «Image-Line FPC». Там вы сможете выставить громкость каждого из инструментов, разнести их по панораме. На рисунке внизу представлены 3 бочки, совмещенные в одной ячейке программ «Image-Line FPC».
Кроме того, в музыкальном продюсировании часто используют наслоение уже готовых партий ударных петель. В своей музыкальной практике я использую оба этих подхода, а именно: сам составляю часть партии ударных из «One Shot»-сэмплов, а часть заполняю уже готовыми петлями ударных, подобранных мною из специальных библиотек или программ. На примере внизу зеленым цветом выделены 6 уровней ударных, составленных мной (3 уровня бочки, один хлопок, закрытые тарелки и металлические перкуссии), а так же 4 уровня готовых ударных петель, закрашенных синим. Все вместе они составляют полную ударную партию песни, использованную в припеве. Такой комплексный подход позволяет получить более полноценное звучание ударных.
Работа с вокалом
Начальная обработка вокала. Рассмотрим обработку вокала на начальном этапе, а затем уже поговорим о наслоении вокала. Естественно, первым делом вокал нужно записать. Для этого я использую встроенный в FL Studio плагин «Edison». Чтобы записать вокал, нужно выбрать входящий канал, к которому подключен ваш микрофон, а затем на этот же канал добавить плагин «Edison», выставить переключатели «NOW» и «IN NEW PROJECT», после нажать кнопку записи и записать ваш вокал (все указано на рисунках внизу).
Не спешите сохранять вокал, сразу после того как он будет записан. Для начала нужно избавиться от лишних шумов, которые обычно выдает ваш микрофон, провода, аудиокарта, а также источники звука в помещении. Для этого постарайтесь немного помолчать после записи вокала, тем самым оставив небольшой участок, с которого можно будет считать шумы, образующиеся при записи. Затем выберите данный участок и откройте «Clean Up Tool», как показано на рисунке внизу.
Затем плагину необходимо будет составить так называемую «карту шумов», которую он и будет исключать из вашего вокала. Чтобы сделать это нажмите кнопку «Acquire noise profile».
Затем (в окне «Edison») вы увидите и услышите, что ваш вокал заметно очистился.
Теперь разберем, как убрать из вашего вокала слишком громкие согласные «С» и «З». В производстве данный процесс называется «De-essing». Дэ-эссинг можно выполнить и с помощью плагинов (например, «AVOX Sybil» или «Fabfilter Pro-C»), но этот процесс можно провести и вручную. Это актуально потому, что многие плагины для дэ-эссинга все-таки подвергают обработке и тем самым искажают весь ваш вокал, а не только согласные, и, чтобы оставить остальные части вашей записи нетронутыми, можно использовать «ручной» подход.
Для этого загрузите ваш вокал в «Edison». Переключившись на спектральный вид (как показано внизу):
… вы увидите громкие звуки «С» и «З» (отмечены на рисунке ниже):
Затем выделите в «Edison» один из участков, где расположены согласные и откройте «Equalize», там вы увидите этот участок более подробно. Обычно звонкие согласные располагаются в диапазоне от 5K до 15K. Вырежьте эти частоты, выставьте «Mix» примерно на 50% и нажмите «Accept» (все указано на рисунке внизу).
Далее нужно проделать эту процедуру со всеми звонкими согласными «С» и «З». Также можно поступить и с громкими вдохами, только эквализировать нужно будет весь диапазон частот (по сути просто сделать их тише).
Наслоение при создании вокальных партий. Теперь рассмотрим приём наслоения, который можно и нужно использовать и при создании вокальных партий. Всем известные бэк-вокалы – это, по сути, и есть наслоение. Однако, в данном вопросе есть несколько различных подходов.
Первый подход заключается в том, что вы приглашаете бэк-вокалистов, либо сами исполняете свои бэки. Плюсы данного подхода очевидны, реальный голос пока невозможно ничем заменить. Минусы: вам понадобятся как студия записи, так и хорошие бэк-вокалисты. Далее записанный вокал добавляется к ведущему вокалу без точной подгонки во времени (то есть вокалы могут звучать немного вразнобой, но не сильно).
Второй подход заключается в том, что вы можете использовать такие программы, как «Antares Autotune» или «Image-Line Pitcher», чтобы создавать гармонические бэк-вокалы, имея только одну главную вокальную партию. Вкратце опишу процесс создания этих беков.
Сначала необходимо записать основную вокальную партию (так называемый «Lead Vocal»). Затем обработать её (про обработку вокала речь пойдет чуть ниже) и импортировать в FL Studio. Далее необходимо послать вокал на канал эффектов, где расположен Pitcher, как указано ниже.
В Pitcher необходимо выставить следующие показатели: включить кнопку «MIDI» (когда вы включите эту кнопку в левом нижнем углу появится номер порта, его необходимо запомнить), и кнопку «HARMONIZE». Также можно выставить переключатель «Replace-Mix» в одно из двух положений. Положение «Replace» полностью убирает основной вокал и оставляет только сгенерированные плагином гармоники. Как не сложно догадаться, положение Mix оставляет и ваш вокал, и сгенерированные гармоники.
Затем необходимо добавить в инструменты «MIDI out», и в его настройках указать порт, который ранее был указан в левом нижнем углу Pitcher.
Затем, открыв «Piano Roll», можно задавать гармоники для генерации (плагином). Нужно указать ноты, которые плагин будет генерировать исходя из вашего основного вокала, и расставить их во времени таким образом, чтобы они совпадали с основным вокалом и создавали правильные гармоники, например так, как указано на рисунке внизу.
Плюсы этого подхода заключаются в простоте и быстроте создания гармоник, а также в том, что эти гармоники будут точно копировать ваш вокал, поэтому долго подгонять его по местоположению в миксе не придётся. Ну а главным минусом такого подхода является звучание этих бэков. Как ни крути, но избавиться от синтезированного звучания не получится.
Ясно, что чем больше слоёв бэк-вокалов, тем полнее звучит вокальная партия. Но важно помнить, что каждый раз петь одинаково не получится, и порой одна фраза будет звучать длиннее другой и т.п. Поэтому, бэк-вокалы нужно расставить точно в соответствии с вашим ведущим вокалом (как указано на рисунке внизу).
Как видно, каждый бэк-вокал подогнан к другим и к ведущему вокалу. Если этого не сделать, вокальная партия целиком будет звучать как месиво. Порой, я использую до 10 слоёв вокала (например, при создании хора в песне), и поэтому для меня это вдвойне актуально. Надеюсь, мои советы окажутся для вас полезными. Результаты того, как я сам пользуюсь этими приемами, можно послушать на моем Soundcloud, а еще можно принять участие в моей кампании на Indiegogo – не сочтите за грубую рекламу и спасибо за внимание!
Читайте также: