Как писать оркестровую музыку на компьютере
Обновлено: 07.07.2024
Оркестровая музыка всегда была и будет востребована и в медиа-индустрии, и на живой сцене. А еще оркестровая музыка - это всегда сложно. Ее трудно писать, сложно аранжировать. Собрать живых музыкантов для полноценного оркестрового звучания очень недешево и доступно далеко не всем. И конечно же, ее очень непросто сводить, особенно людям неподготовленным.
У многих начинающих композиторов возникает множество проблем, когда речь заходит об эпичной музыке, которая очень часто используется в кино и почти всегда - в трейлерах к кинофильмам.
На что же стоит обратить внимание композитору, который начинает свой путь в сведении подобных треков?
Акустика
Самое важное, что необходимо понимать, прежде чем вообще браться за сведение - это то, как оркестр физически устроен.
— Как он звучит?
— Как акустически формируется звук в каждом инструменте оркестра?
— Почему в трубу надо не просто дуть, а делать это определенным образом?
— Почему в классическом составе оркестра контрабасов меньше, чем скрипок?
— Почему флейта металлическая, но является деревянным духовым инструментом?
Пока вы не разберетесь с тем, что из себя представляет реальный оркестр, ваша виртуальная копия вряд ли будет звучать убедительно.
Аранжировка
Еще один момент, который недооценивают на начальных этапах - это грамотность аранжировки. Да, это напрямую касается сведения, потому что как минимум 50% проблем в сведении возникают именно из-за аранжировки. И не всегда сведение может их решить. В оркестровой музыке особенно, ведь там голосов может быть огромное множество, и сложность композиции растет в разы.
Если к этой сложности вы отнеслись легкомысленно, то готовьтесь к проблемам.
В композиции могут быть проблемы с составом или расположением аккордов, с переходами между гармониями, могут быть не учтены особенности конкретных инструментов, может отсутствовать какой-то важный диапазон, возникнуть конфликт голосов.
Если композитор пишет музыку виртуальными инструментами, то часто можно наблюдать какие-то сумасшедшие аккорды по 6-8 голосов у одного инструмента (например скрипки), которые просто расставлены терциями в несколько октав.
Все это создает кашу в миксе, и в целом трек теряет убедительность и энергетику, которую никаким эквалайзером не восстановить. Проверяйте аранжировку, прежде чем вообще трогать ручки приборов для сведения.
Баланс и панорамирование
Эпичная оркестровая музыка отличается тем, что в ней очень большое количество элементов звучит одновременно и при этом громко, что создает определенные сложности.
Лучше всего сначала выбрать самый громкий, насыщенный элементами кусок трека и сделать базовый баланс между всеми инструментами в композиции. Поможет вам в этом две вещи - расстановка приоритетов и панорама.
В первую очередь сразу определите, какие элементы трека за что отвечают. Важно, что это не означает деление только на “главные” и “второстепенные” элементы - ролей может быть больше.
— Контрабас может вместе с медной группой быть на первом плане, играя мощные длинные педали, или просто добавлять фундамент композиции на фоне. И так далее.
— Валторны играют мелодию? Отлично, выводите их на первый план.
— Играют гармонические аккорды? Вероятно стоит их переместить чуть ниже в приоритетах, увести на фон.
— Быстрые струнные создают движение, подгоняя мелодию? Балансируйте их на уровне перкуссии.
— Никакой мелодии нет и вы хотите сконцентрировать слушателя на ритмике и скорости? Выводите их на первый план.
Панорамирование - второй шаг к “спасению”. Если вы оставите все элементы звучать в центре, все естественно превратится в кашу, как бы вы ни выравнивали баланс. Сдвинув элементы по панораме, вы можете отчистить много пространства, дать воздух инструментам, они лучше поместятся в вашем миксе.
Но следует тщательно подумать, какой инструмент куда сдвигать. Не стоит просто гуглить в интернете рассадку оркестра и расставлять инструменты по ней - виртуальное пространство отличается от реальной акустики.
Помните, что баланс относится как к громкости дорожек в целом, так и к балансу левого и правого канала, моно и стерео составляющих. В целом желательно всегда чуть-чуть двигать от центра любые элементы кроме фундаментальных - например баса. Также не забывайте, что многие виртуальные инструменты уже "рассажены" в пространстве на усмотрение производителя.
Эквализация
Эквалайзером можно как помочь вашему треку звучать лучше, так и уничтожить всю энергетику трека на корню. Так что думайте, прежде чем двигать какой-либо параметр.
В первую очередь эквализация должна быть продолжением настройки баланса. Вы должны понять, какие частоты конкретных инструментов в вашей композиции не сильно необходимы и подрезать их, чтобы они не мешали остальным, а какие можно было бы немного поднять, усилив эмоцию или читаемость инструмента.
Отрезать лишние частоты вообще полезно, особенно когда мы говорим про низкие частоты. Но не переборщите - вы можете случайно отрезать важные обертона или тело инструмента, из-за чего все будет звучать чисто и понятно, но совершенно сухо, резиново и скучно.
После того, как базовый баланс создан, можно попробовать различные красящие эквалайзеры, чтобы придать треку больше характера, яркости, а также аккуратно эквализировать группы инструментов.
Есть одна важная ошибка, касающаяся работы с частотами - концентрация на каком-то конкретном диапазоне частот и поиск проблем именно в нем, игнорируя остальной спектр.
Часто можно наблюдать, как композиторы/микс-инженеры очень много работают с верхними и средними частотами, пытаясь создать энергетику и мощь за счет ярких струнных, разрывной меди и хлесткой перкуссии - но по итогу другие треки звучат плотнее и мощнее, а на их фоне трек композитора становится ядовито-кислотным и неприятным для прослушивания.
Бывает и противоположные случаи - когда в попытке избежать кислотности в звучании массово вырезаются верхние частоты, что делает трек объемным, возможно плотным, но беззубым. Особенно такая ситуация характерна, когда сведение делается на плохих мониторных наушниках, у которых мало баса и много верха.
Обращайте внимание на весь спектр частот, создавайте плотный объёмный бас, мощную низкую середину, читаемую верхнюю середину и не слишком ядовитые, но яркие высокие.
Компрессия
Компрессия - неестественное для обычной акустики, но допустимое в микшировании явление. И важно этот момент не забывать. Компрессию следует использовать, чтобы выровнять динамически различные элементы в треке.
Например, вы можете скомпрессировать сольную скрипку, благодаря чему она не будет теряться в огромном оркестровом полотне, будет более читаема. Или наоборот, слишком резкие спиккатные/стаккатные пассажи можно прижать компрессором, отведя их таким образом на второй план, но при этом не потеряв ритмическую энергетику. Скомпрессировав тяжелую ударную группу, можно добавить им пробивной силы, не трогая частоты инструментов. Или поднять лиричную струнную тему над всем оркестром, добавляя драмы и гармонической наполненности, не теряя при этом энергетику и громкость.
В частности, обращайте внимание на компрессию групп инструментов - она позволяет склеить разные инструменты между собой, заставить их звучать более слаженно.
Отдельно стоит сказать о сайдчейн-компрессии. Она может вам очень помочь, если вы понимаете, что элементов слишком много, чтобы поместить их все одновременно и оставить при этом их громкость максимально допустимой.
На практике чаще всего приходится вешать сайдчейн-компрессоры на мелодический/гармонический материал, посылая на них сигнал от перкуссии. Таким образом вы сможете оставить всю энергетику и мощь боевых барабанов, которые будут пробивать микс, и при этом не потерять звучание и громкость всего остального.
Но не переборщите - если компрессия будет слишком очевидна, потеряется ощущение естественности, реальности оркестра. Особенно следите за мид/сайд составляющей - иногда достаточно оставить сайдчейн только в миду, а по сторонам оставить звучание свободным от сжатия - таким образом и перкуссия будет слышна, и оркестр не будет постоянно двигаться по громкости неестественным образом.
Пространство
Работа с пространством, наверное, самая сложная и самая тонкая часть работы над эпичной оркестровой музыкой. Как бы вы не обрабатывали дорожки, как бы не шаманили над группами, но если это все будет помещено в неправильное пространство, никакой мощи не будет.
Помните, что если в реальности оркестр звучит в каком-то акустическом пространстве, то в миксе пространство изначально отсутствует, и вам нужно его создать.
Делается это за счет все той же панорамы, эквалайзеров, а также ревербераторов и дилэев. Вы должны не просто выравнивать баланс между треками, но рассаживать их на разные по расстоянию от слушателя позиции, кого-то ближе, кого-то дальше.
Чтобы не потерять естественность звука, следует послушать реальный оркестр в реальных залах - услышать, как бас наполняет пространство объемом, как трубы прорезаются через весь оркестр на высоких нотах и так далее. И соблюдать эти особенности в вашем миксе. Подрезать высокие, если хотите отдалить инструмент, автоматизировать громкость, чтобы вывести инструмент на первый план.
Подобрать правильный ревер и дилэй с наскока, увы, не получится - это требует тонкого и развитого слуха, что достигается тренировками и практикой.
Правильный ревербератор создаст объем всей вашей композиции, отделит ее от просто хорошо сбалансированного трека до трека, который вызывает мурашки по коже. Неправильный - сделает трек мутным и растеряет его энергетику.
Иногда стоит подумать над тем, чтобы использовать несколько разных реверов - например большой музыкальный холл для всего трека, отдельно какую-то яркую комнату для перкуссии и может быть еще какой-нибудь плэйт, который насытит гармоники отдельных инструментов. Дилэй также используется для увеличения объема - иногда ревербератора недостаточно, чтобы получить идеально масштабное и обволакивающее пространство, и длинные отражения дилэя дополнят его - но будьте аккуратны с тем, чтобы отражения не стали чересчур отчетливыми и не испортили картину, превратив трек в кашу.
Расширение стерео и фаза
Очень полезно использовать стерео-расширители - это даст вам больше поля для маневра, сделает трек шире и массивнее. Расширять можно как отдельные дорожки трека, так и группы инструментов в целом.
Изучите, что такое эффект Хааса, как он работает и подумайте, где и когда вы могли бы его использовать в каждом конкретном треке. Естественно здесь тоже важно не переборщить и не увлечься, иначе у вас потеряется фокус, все элементы начнут звучать слишком разрозненно, обособлено. Также не забывайте, что для поддержания плотности и фундаментальности у вас все равно какие-то элементы должны оставаться в середине, в моно.
Обязательно следите за фазой - это касается как расширения стерео, так и работы с эквалайзерами. По опыту можно сказать, что это самая нелюбимая часть для новичков, потому что им очень неочевидно, как и когда возникает противофаза, как с этим бороться и разбираться в этом нет никакого желания. Но если вы не проследите за этими вещами, в вашем треке начнет вдруг пропадать энергетика, звучание станет странным, а если кто-то попробует включить ваш трек на моно-источнике звука, то будет страшно разочарован тем, что он из него услышит.
Другие советы
В этом тексте регулярно звучали слова “читаемость” и “энергетика”, и хотелось бы подчеркнуть их, потому что они - ваша главная цель. Оркестровое полотно - большое и непростое, и поэтому очень важно найти баланс между читаемостью важных в композиции элементов и энергией, которая в эту композицию заключена. Часто можно наблюдать ситуации, когда композиция читается легко, но слушается очень скучно и пусто. Или мы слышим большой, мощный, но к сожалению очень грязный звук, в котором ничего не получается разобрать и, соответственно, считать.
Не забывайте, что какой бы идеальной не была ваша система мониторинга, она все равно не сможет предсказать все возможные ситуации, в которых ваш трек будут слушать. Проверяйте ваше сведение на обычных колонках, на ноутбуке, на телефоне, не телевизоре, в машине. Если везде трек звучит одинаково хорошо и массивно - вы все сделали правильно.
Также важный момент - если вы пишете музыку для кого-то, кроме себя, то учитывайте, что с вашей музыкой будут иметь дело другие люди. И она должна быть готова к этому.
— Например, кто-то захочет повесить сверху вашего трека диалоги из фильма. Ваш трек готов к этому, в нем есть место для этих диалогов?
— А если захотят получить от вас стемы и пересвести в 5.1, ваши стемы не доставят хлопот при пересведении?
— А ваша музыка хранится в хорошем, несжатом формате, достаточного для потенциального клиента качества?
Естественно, все приведенные советы лишь обращают ваше внимание на возможные проблемы. Чтобы научиться их самому решать, нужна практика, практика и еще раз практика.
Хочется верить, что вы нашли для себя что-то полезное в этом списке и ваша эпичная музыка зазвучит еще эпичнее. Главное помните, что вы сводите технически сложную композицию, состоящую из множества дорожек, а виртуальное звуковое пространство имеет свои правила и ограничения. Поэтому перед каждым действием спрашивайте себя - “зачем”, “что мне это даст” и “чего я хочу добиться по итогу”.
Удачных миксов!
Михаил Афанасьев - композитор и продюсер, владелец первой и единственной успешной в России продакшн-библиотеки Imagine Music
С развитием технологий процесс создания оркестровой музыки стал доступен практически каждому, кто готов потратить немного времени на освоение секвенсора и сэмплера Kontakt! Но хоть производители сэмплированных инструментов и сделали все, чтобы облегчить работу продюсера, вопрос о техниках сведения оркестровой музыки остается актуальным.
Прежде чем перейти к деталям обработки, я хочу остановиться на основных концепциях - специфике работы с виртуальными инструментами, а также нюансах, которые нужно принять во внимание именно при сведении треков симфонической музыки. Итак, поскольку работу по формированию звучания выполнила команда профессионалов, сосредоточьтесь в первую очередь на аранжировке и подборе звуков. Если звучание данного виртуального инструмента не отвечает вашей задумке - он слишком тонкий или наоборот чрезмерно жирный - лучше заменить его на более подходящий. Помните - звуки в библиотеках уже значительно обработаны с учетом концепции самой библиотеки. Поэтому сведение должно носить больше технический характер - подчеркнуть разделение элементов в пространстве, заставить разрозненные звуки работать как единый органичный трек. Как правило ни о какой радикальной обработке речи не идет! Поэтому еще раз - аранжировка первична! Именно она закладывает звучание трека.
Следующая концепция - лееринг. В оркестровой музыке партии часто пишутся для групп инструментов. Например скрипки+флейты+гобой, контрабас+виолончель+фагот, труба+французский рожок+тромбон. Таким образом достигается богатая тембральная палитра симфонического оркестра. Поскольку при этом создается фактически новый инструмент, то и обрабатывать его нужно как один многослойный элемент. Обработка отдельных слоев применяется только как завершающий мазок, если обработка группы не дала 100% желаемого результата.
Следующее. Сведение классической музыки концептуально отличается от работы с треками многих современных жанров, в которых партии образно говоря статичны - достаточно подобрать обработку для каждой из них, и она не меняется от начала песни и до самого конца. Работая с оркестровой музыкой, сразу настройтесь на обилие автоматизации, потому что постоянное движение звуковой картины, перетекание партий с переднего на задний план и обратно являются основой жанра.
Теперь непосредственно о сведении и мастеринге оркестровой музыки.
1.Баланс и автоматизация громкости
Это самый мощный и самый важный прием в ваших руках!
Именно громкость и ее автоматизация задают 95% характера произведения. Сначала постройте черновой баланс трека - это будет отправной точкой для дальнейшей работы. Дальше внимательно прослушайте произведение от начала до конца и отметьте для себя моменты кульминации и спада напряжения, особо эмоциональные фрагменты. Теперь с помощью автоматизации усильте драматический эффект, подчеркните крещендо и диминуэндо огибающими громкости.
2. Реверберация
При создании симфонических виртуальных библиотек часто звуки записываются сразу с натуральной реверберацией помещения, некоторые библиотеки даже позволяют комбинировать до трех позиций микрофонов (Close, Stage, Surround). Поэтому лучше сразу добиться желаемого пространственного эффекта на стадии аранжировки. Сугубо из технических соображений - звучание цифровых ревербераторов существенно отличается от натуральной реверберации концертных залов и при добавлении такой реверберации все равно будет ощущаться ее чужеродность.
Если же все таки решили добавить пространственной обработки, лучше воспользоваться конволюционными ревербераторами - используемые в них импульсы являются слепками реальных помещений и лучше подойдут при сведении оркестровой музыки.
Ее использование при сведении оркестра, созданного виртуальными инструментами, носит больше хирургический характер. Ведь мы имеем дело с семплированными инструментами, динамика которых легко управляема по МИДИ, а перед этим еще была выровнена на стадии записи. Поэтому компрессию стоит применять:
- для разделения элементов трека в пространстве. Моим любимым приемом является нежная компрессия с максимальным значением Knee для более надежного размещения звуков на заднем плане. Релиз (время отпускания) при этом минимальный, уровень подавления порядка 1-2 дБ.
- для придания специфического характера. Применяется как правило для инструментов среднего плана в нагруженных миксах, чтобы не дать им потеряться среди других звуков. При этом часто используются агрессивные компрессоры типа Distressor, Lindell 354E.
- для общего склеивания микса на мастер канале. Здесь компрессия должна быть максимально незаметной. Соотношение 2:1, Атака 200-300 мс, короткий Релиз, уровень подавления 0.5-1.5 дБ.
4. Эквализация
Сразу хочу обратить внимание на часто встречаемую ошибку - фильтрацию низов. Звуки виртуальных симфонических библиотек уже обработаны, в том числе и Low Cut фильтрами. Дополнительная обрезка низа пойдет скорее во вред - сделает их звучание тонким и резким. В большинстве случаев она не нужна, поэтому подумайте дважды, прежде чем браться за Low Cut фильтр.
В остальном же эквализация при сведении эпичной оркестровой музыки, является преследует две цели:
- убрать частотные конфликты (как правило в низах и нижней середине). Для этих целей лучше всего использовать линейно фазовый цифровой эквалайзер. Вырезы нужно делать очень узкими полосами.
- придать больше характера и цвета. Для этой работы также можно использовать цифровой эквалайзер. Если же нужна еще и сатурация, то отлично сработают эмуляции винтажных эквалайзеров. В обоих случаях усиление частот должно быть не больше 3 дБ.
5. Стерео Образ
Я категорически против использования стерео экспандеров при сведении и мастеринге симфонической музыки - все что они могут дать, это фазовые искажения и потеря моно совместимости. Аранжировка и панорамирование - вот ваши лучшие помощники в проработке стерео образа. Выберите по одной партии (как правило среднего плана), которые будут обозначать широту микса и панорамируйте в крайнее правое и левое положение. Сделав один из них громче другого, вы усилите эффект разницы звучания каналов (именно она дает нашему мозгу ощущение широты), а значит и субъективную широту микса.
Важная деталь: в нагруженных миксах для большей чистоты звучания используйте только по одному из каналов для стерео треков, занимающих крайние положения панорамы. Например, только левый канал для скрипок, спанорамированных 100% влево, и только правый канал для скрипок, спанорамированных 100% вправо.
6. Мастеринг Оркестровой Музыки
Вот здесь наконец можно применить Low Cut фильтрацию. Радикальные значения не требуются. Достаточно подрезать саб низа в Mid канале в районе 20-30 Гц (крутизна среза 12 дБ на октаву), и подчистить Side канал от ненужных призвуков реверберации еще одним фильтром в районе 80-120 Гц.
Следующим этапом я часто применяю PuiqTec EQP1A от Waves, придающий сочное звучание средним частотам. Его собственная сатурация, плюс небольшой вырез в нижней середине и легкое усиление в районе 3-8 кГц - вот и все что мне от него нужно.
Для еще более теплой середины хорошо работает Revival - бесплатный, но великолепно работающий эксайтер от Steven Slate. Иногда достаточно просто установить его на мастер канал без дополнительных настроек для получения желаемого эффекта.
Когда необходимый цвет финального микса достигнут, остается склеить его компрессором - подробно о его настройках говорилось в пункте 3.
И завершает цепочку мастеринга лимитер. Поскольку для оркестровой музыки живая динамика превыше всего, задача лимитера просто немного выровнять динамику микса, ограничив излишние пики.
Подводя итог, хочется отметить, что главным в процессе сведения оркестровой музыки является принцип "не навреди". Работая с сэмплированными инструментами, вы оперируете уже качественно подготовленными звуками, которые при грамотной аранжировке уже звучат как законченное произведение. И ваша задача в первую очередь подчеркнуть драматургию произведения автоматизацией громкости и едва заметно оформить звуки, чтобы они работали как единый микс.
Компьютер для многих из нас уже стал неотъемлемой частью бытия. Мы уже не можем представить свой будничный день без игр и прогулок по глобальной сети Интернет. Но это далеко не все возможности ЭВМ. ПК, благодаря росту уровня технологий, вбирает в себя свойства многих других мультимедиа устройств, в частности, синтезаторов звука.
Что такое DAW и с чем его едят?
В общем случае, при создании музыки на компьютере используются специальные программы, называемые DAW. DAW – это компьютерная цифровая студия, пришедшая на замену громоздким установкам. По-другому, эти программы называют секвенсорами. Принцип их работы основывается на взаимодействии с аудио-интерфейсом компьютера и последующем генерировании цифрового сигнала.
Что такое плагины и как они работают?
В дополнении к секвенсорам музыканты используют плагины (от англ. «Plug-in» – «дополнительный модуль») – софтовые расширения. А каким же образом компьютер воспроизводит звук, к примеру, горна, спросите вы? По типу генерации звука живых инструментов, софт делится на два типа – это эмуляторы и сэмпл-синтезаторы.
Эмуляторы – это тип программ, который используя сложные формулы, повторяет звучание инструмента. Сэмпл-синтезаторы – это синтезаторы, которые в основе своей работы используют кусочек звука – сэмпл (от англ. «Sample») – записанный с настоящего живого исполнения.
Что выбрать: эмулятор или сэмпл-синтезатор?
Сразу стоит заметить, что в sample-plugins, звук получается гораздо лучше, нежели в эмуляторах. Поскольку инструмент – а особенно духовой – это сложно высчитываемая со стороны физики величина. Главный же минус сэмплов – это их размер. Во благо хорошего звучания приходится порой жертвовать гигабайтами памяти жесткого диска, потому что здесь используются «несжимаемые» аудио-форматы.
Почему моя музыка звучит «плохо»?
Итак, представим, что вы установили секвенсор, купили и установили плагины и начали творить. Быстро освоившись в интерфейсе редактора, вы написали нотную партию для своего первого произведения и начали ее слушать. Но, о ужас, вместо полной глубины и гармонии симфонии вы слышите лишь набор из блеклых звуков. В чем же дело, спросите вы? В этом случае вам стоит ознакомиться с такой категорией программ, как эффекты.
Эффекты – это программы, которые позволяют звуку звучать более естественно. Например, такой эффект как реверберация воссоздает звучание в большем пространстве, а эхо эмулирует «отскакивание» звука от поверхностей. Существуют целые процедуры обработки звука эффектами.
Как научится творить, а не вытворять?
Для того, чтобы стать настоящим мастером оркестрового звучания, вам потребуется пройти долгий и нелегкий путь обучения. И если вы будете терпеливым, усидчивым и начнете понимать на уровне «два плюс два равно четырем» такие понятия, как сведение, панорамировании, мастеринг, компрессия – вы сможете потягаться с настоящим симфоническим оркестром.
Подведем итоги. Для того чтобы использовать все возможности ПК в музыкальном плане, вам потребуются:
Хаб предлагает десятки образовательных роликов, интервью с композиторами, советы по работе с библиотеками и другой полезный контент.
Spitfire Audio запустила образовательный хаб Spitfire Audio Academy. Новый раздел на сайте разработчиков виртуальных оркестровых библиотек объединяет уроки, мастер-классы и интервью о написании музыки к фильмам, телесериалам и видеоиграм.
Все материалы хаба доступны на бесплатной основе и объединяет десятки образовательных роликов, публикующихся на YouTube-канале Spitfire Audio. Видео собрали более 10 млн просмтров и помогли тысячам музыкантов и композиторов, отмечают в компании.
Хаб разделён на несколько тематических категорий — образовательные и обучающие видео, короткие ролики с советами, интервью с композиторами, обзоры студий известных музыкантов.
В каталоге хаба представлены материалы в следующих категориях:
Самое популярное
Оулавюр Арнальдс: тур по студии
Круглый стол о работе композитора с Хансом Циммером
Пол Томсон: тур по студии
Разбор саундтреков от лучших композиторов
Демонстрация особенностей работы известных композиторов над саундтреками к фильмами и телешоу.
Карлос Рафаэль Ривера: пишем саундтрек к «Гамбит королевы»
Джеф Руссо: пишем саундтрек к «Star Trek: Discovery»
Адам Тейлор: пишем главную тему сериала «Рассказ служанки»
До 10 минут
Короткие ролики, показывающие новые и полезные методики работы.
Как создать кинематографические ударные
Советы по работе с оркестром для начинающих
Добавляем реализм оркестровым сэмплам
Секреты композиторов
Серия роликов о студиях звукозаписи и опыте известных композиторов.
Гарри Грегсон-Уилльямс: экскурсия по студии
Пошаговые руководства
Подробные руководства по работе с музыкой, которые улучшат навыки начинающих композиторов.
Написание музыки для хора с Эриком Уитакром
Программирование оркестра
Со-основатель Spitfire Audio Кристиан Хенсон показывает продвинутые методики написания оркестровок и программирования виртуальных оркестровых библиотек.
Программирование оркестра за три дня: день первый
Программирование оркестра за три дня: день второй
Программирование оркестра за три дня: день третий
Личный опыт
Инсайты, советы и бэкстейджевые ролики о жизни сообщества композиторов по всему миру.
Как создавалась библиотека Hans Zimmer Percussion
Сьюзан Чани о синтезаторе Buchla 200e
Библиотеки Spitfire Audio в работе
Серия видео, посвящённых особенностям работы библиотек Spitfire Audio.
Пишем музыку для струнного квартета
Как использовать электрогитары в оркестровых аранжировках
Идеальный звук
Советы о записи, сведении и мастеринге музыки.
Создаем библиотеку сэмплов за один день
Как подготовить сессию Pro Tools к записи
Работа со струнными
Подробные материалы об особенностях работы с живыми и виртуальными струнными, а также методики программирования струнных (см. Программирование струнных: как сделать виртуальные струнные более живыми, если вы никогда этим не занимались).
Программируем реалистичные струнные
Методики работы с голосами в секции струнных
Ролики, показывающие, как писать оркестровую музыку в духе известных композиторов.
Пишем музыку в стиле саундтрека фильма «Джокер»
Пишем музыку в стиле саундтрека фильма «Довод»
Пишем музыку в стиле саундтрека игры The Last Of Us
Жанры
Уроки написания оркестровых оранжировок в разных стилях.
Как писать музыку к хоррорам
Пишем оркестровые аранжировки для фильмов в стиле нуар
Музыка к современным трейлерам блокбастеров
Пишем современный гибридный саундтрек
Новые ролики появляются на канале каждую неделю, после чего автоматически попадают в Spitfire Audio Academy. Весь контент доступен бесплатно на канале Spitfire Audio в YouTube.
Получить больше подробностей о мастер-классах по программированию струнных и написанию саундтреков, а также ознакомиться с полным списком доступных материалов можно на этой странице официального сайта Spitfire Audio.
Сегодня я хочу поговорить о наиболее распространенных ошибках, которые делают начинающие композиторы при написании музыки/партитур для симфонического оркестра. Однако ошибки, на которые я хочу обратить Ваше внимание, также довольно часто встречаются не только в симфонической музыке, но и в аранжировках музыки в стиле рок, поп и т. п.
2.Отсутствие баланса
Глупо писать аккорд для трех труб и одной флейты, так как флейты не будет слышно даже в средней динамике трех труб.
Таких моментов очень много.
Например, флейта пикколо может пробивать целый оркестр. Многие тонкости приходят с опытом, но большую роль играют знания.
При насыщенности рок- и поп-аранжировки также важно учитывать этот момент, а не полагаться на сведение. Как правило, хорошая аранжировка не требует вмешательства со стороны микшера (имеется в виду человек, занимающийся сведением).
4. Лишние усилия
Это использование необычных приемов игры, таких, которые требуют от исполнителей чрезмерной концентрации. Как правило, с помощью простых приемов можно создать более благозвучную партитуру.
Применение редких приемов должно быть обоснованно и может быть принято только в том случае, если нужный эмоциональный эффект нельзя получить другим способом. Конечно, Стравинский использует ресурсы оркестра на пределе возможностей, но это стоило ему нервов. В общем, чем проще, тем лучше. Если же надумаете сочинять авангард, сначала найдите оркестр, который готов это сыграть 🙂
5. Отсутствие эмоций и интеллектуальная глубина
Баланс, о котором я постоянно твержу.
То есть парадоксально, но, чтобы писать музыку, недостаточно обучаться только этому. Нужно еще и уметь общаться с людьми, природой и т. д.
6. Истерия и интеллектуальная перегруженность
Избыток чувств или холодной интеллектуальности приводить к музыкальному фиаско. Музыка должна быть эмоцией, контролируемой разумом, в противном случае Вы рискуете потерять саму суть музыкального искусства.
7.Шаблонная работа
Использование устоявшихся штампов, клише и т. п. убивает саму суть творчества.
Чем тогда вы лучше автоаранжировщика?
8. Незнание инструментов
Очень часто неправильно используются диапазоны инструментов, плохое знание техник приводит к тому, что оркестранты не могут исполнить Ваши партии.
И, что самое интересное, удачно написанная партия хорошо звучит даже на VST, а партии, написанные без учета особенностей инструмента, даже в живом исполнении будут звучать не очень убедительно.
Приведу простой пример.
Поскольку я гитарист, то мне для того, чтобы определить играемость партии, достаточно просто посмотреть в ноты, чтобы понять, насколько партия подходит гитаре. То есть большинство партий физически играемы, но они либо настолько неудобны, что просто нет смысла их учить, либо написаны так, что, даже будучи сыграны на гитаре, они будут звучать как другой инструмент. Чтобы этого избежать, нужно изучать сольные произведения для инструментов, для которых Вы пишете. А желательно научиться базовым приемам игры.
Например я умею играть на всех инструментах рок-группы + труба, флейта, контрабас и некоторые ударные. Это не значит, что я могу взять и сыграть хотя бы внятную мелодию, но если будет нужно, то смогу разучить и хоть как-то коряво сыграть 🙂
А лучше всего найти солиста и показывать ему Ваши наработки, так Вы очень быстро научитесь писать играемые удобные партии. Кроме того, важно, чтобы Ваши партии легко игрались с листа или быстро снимались (если Вы пишете для сессионных музыкантов).
9. Искусственно звучащие партитуры
Поскольку большинство авторов работает с VST, очень важно, чтобы Ваши партитуры звучали реалистично практически без исправлений. Как я уже писал выше, хорошо написанные партии звучат хорошо даже в обычном MIDI. Это касается и рок-состава, и полного симфонического оркестра. Важно сделать так, чтобы слушатель не думал: оркестр звучит механично или барабаны синтезаторные. Конечно, при внимательном прослушивании всегда можно отличить живое исполнение от программного, но не-музыкант и 90% музыкантов не смогут этого сделать при условии, что Вы выполнили Вашу работу на отлично.
Читайте также: